Categoría: Teatro Musical

“Nos hemos gastao una buena pasta” y por eso los actores hablan con el acento de la madre patria. Esta es la explicación que se nos da a los que estamos sentados en las butacas del teatro Chacarerean apenas comenzada la función. Es que da Capo al Fine, los intérpretes de este musical tendrán en el canto y los parlamentos ese gustillo que uno sentiría si estuviese viendo (y sobre todo escuchando) esta performance en Madrid, Valladolid o Salamanca.
Esto es una particularidad por que los artistas son argentinos, no es una puesta con actores y cantantes españoles, pero suena a España igual. Dejemos por un momento este punto para más adelante.

“Pegados” es un musical con una historia peculiar para contar. La historia es la de dos anónimos de turno, dos casualidades de la noche, que por obra de vaya a saber que circunstancia sufren el improbable, pero “posible” accidente de no poder separarse una vez que hubieran iniciado el acto sexual. Id est: están pegados, abotonados, encastraos. Como sea que se enuncie, la situación es la misma: estas dos personas, al menos por un tiempo, serán dos partes de una sola.

El argumento es simple y sirve de muleta para que el humor camine sobre el escenario. Dos seres humanos, un chico y una chica, semidesnudos y sin poder remediarlo, deberán esperar a un médico que nunca llegará, presos de la singular situación en la que uno se encuentra inserto dentro del otro. De manera bastante obvia, esto representa un desafío físico, ya que los cantantes deben someterse a un sinnúmero de contorsiones y maniobras conjuntas para ir acomodándose en el escenario, siempre unidos a la altura de la cintura, y para agregar aún más complicaciones, todo sucede sobre una camilla de hospital en la que ambos vivirán durante toda la obra. Después de todo, es allí en donde se encuentran, en un nosocomio.

La particular cercanía obligada propone conversaciones e intimidades entre los personajes que, evidentemente, durante la noche que llevó a esta situación no fueron posibles o no hubo tiempo como para que sucedan. Como consecuencia, la tensión romántica que podría haber surgido si se hubiesen conocido en una clase de pintura o haciendo yoga, se manifiesta mientras el doctor de guardia se toma su tiempo para venir a atenderlos.

El desempeño de los actores está a la altura de la puesta y de la exigencia de la misma. Si bien no es particularmente desafiante, los arreglos que se han compuesto para los dúos son interesantes y ambos protagonistas cumplen en su rol de entregar armonía desde el escenario.
Ella, Vanesa Butera, muestra una resistencia en mantener el personaje con acento español que no flaquea nunca, ni desde el canto, ni en los parlamentos en prosa. Él, Ignacio de Santis, bien podría pasar por inmigrante español, pero dicho esto, hubo algunos pasajes de la obra en la que su voz sonó algo menos potente de lo necesario.
Al dúo de protagonistas se suma Karina Hernández, que no sólo debe ponerse en la piel de la enfermera de turno sino que además tiene la responsabilidad de  materializar a las madres tanto de ella como de él, en formidables transiciones humorísticas aprovechando la multiplicidad de personajes. El cuarteto se completa con un pianista/actor/cantante (la música instrumental es en vivo), Santiago Otero Ramos, que a pesar de tener pocos parlamentos es esencial para el correcto desarrollo, tanto de la música como del humor.

Pegados es una apuesta a un musical liviano pero cuidado y muy bien cantado. Es una producción local con acento extranjero, acento que en algún punto hasta parece necesario para que los chistes funcionen y que la cadencia de la rima tenga coherencia. Es un desafío a los parámetros del rubro en la escena porteña que habrá que seguir de cerca para ver cuál es el resultado.

La experiencia musical personal puede ser casi cualquier cosa desde el ejercicio intelectual que realiza un director de orquesta leyendo por primera vez una partitura, hasta el pogo frenético en el centro del campo de juego en un estadio de fútbol.
Al respecto, se puede decir que la puesta que realizan Valeria Pagola y Federico Joselevich Puiggrós tiene un poco, condimentos, de todo ese espectro. Esto cobra relevancia cuando se piensa en la cantidad de trabajo que se ha realizado antes de la puesta, ya que nos hace sospechar que es posible que esa compleja mezcla de sensaciones haya sido diseñada de esa manera en algún momento en la cabeza de los artistas.

A Valeria Pagola la musicalidad le sobra, tanto que se le escapa del cuerpo, se le cae. Literalmente. En el ojo de (o en la sociedad con) Joselevich Puiggrós, pareciera que es este en particular el rasgo a descomponer y retratar de la coreógrafa, bailarina y cantante, que en este caso además necesita el título de compositora y directora.

La puesta en una sala con cómodos ocho metros de profundidad comienza con los tintineantes ruidos de los instrumentos alternativos en una disposición escénica que podría confundirse con la de algún culto oscurantista. Pagola empieza su performance en el centro de la escena y a lo largo del show, recorre todo el suelo del teatro jugando con ranitas mecánicas, acomodando y desparramando “huevos” sonajeros de semillas, tocando la flauta y claro, cantando. Puiggrós, sigue de cerca la actividad, participando cuando la tecnología muestra sus límites: hay algunos elementos que hay que mover y acomodar; pero salvando esos momentos, su trabajo lo realizó con anterioridad.

La oscuridad y la luz son elementos claves de la obra/concierto, ya que en el escenario Puiggrós ha coreografiado, sobre los movimientos estudiados y precisos de Pagola una relación entre las proyecciones y la actriz que por momentos parecen totalmente aleatorias e improvisadas. Cuando estamos seguros de que este es el caso, un movimiento exacto y ensayado seguramente muchas veces nos muestran que no, que no hay nada casual. Hay estudio y preparación detrás de todo.
La música, o de nuevo, la experiencia musical que se nos propone es mixta y compleja. Pagola canta intermitentemente y de manera impecable, con una voz cuidada y controlada. Pero no es todo lo que hace. Su apuesta para este espectáculo es fruto de un trabajo de estudio en base a la voz y el movimiento que, a decir de los artistas después de los aplausos, quiso crecer más y transformarse en una criatura multimedial. Las palabras, las cantadas y las no tanto, invaden la escena y juegan de manera integrada al mensaje. La referencia permanente al mundo de las aves, ya sea por el acto natural de generar melodías o por la actitud de empollar el fruto de la especie, se mete en la sonoridad y por momentos “obliga” a la cantante a transformarse un poco en ave y mostrar que ese animal está presente sobre el escenario.

Al salir de la sala el sentimiento es raro. Quizás sea este un show para iniciados. Quizás sea un show para iniciarse. Para experimentar la música de una forma distinta, con más matices entre el ejercicio intelectual y el pogo rockero. En la sala, espiando para atrás, seguro se encontrarán las dos cosas: Quien no puede soportarlo y se mueve al ritmo, y quien se ha quedado pensando.

La obra de Ferderico García Lorca es considerada fundacional para la literatura tanto poética como dramática en español durante el siglo XX. Autor de nueve libros de poemas y once obras de teatro (más una inacabada), fue asesinado el 18 de agosto de 1936, a los 38 años. Fue fusilado anónimamente, en su amada Granada, sin ningún tipo de distinción por su fama a nivel mundial. Federico yace enterrado en una fosa común de ubicación inexacta. La muerte de Federico García Lorca es un mito y es un símbolo. En el imaginario popular encarna el contraste del totalitarismo intolerante frente al pensamiento poético y libre, que aunque muerto su creador, vive en sus obras. 

Pepe Cibirán Campoy intenta recrear el contexto de la muerte de García Lorca. Imagina a sus padres, a su amigo-amante Salvador Dalí, lo imagina a él y al Capitán en manos de quien está su fusilamiento. Con un texto poético y rítmico, plasma su propia fantasía y la comparte, encarnando él mismo a todos los personajes.

La puesta, a cargo del autor, se centra en la figura central del actor y matiza los diferentes momentos con juegos bruscos de luces. Marca enfáticamente el cambio de personaje, y si bien de a momentos aparece como un recurso visto infinitas veces, se agradece la ayuda porque los personajes son muchos y se suceden sin pausa.
En este punto, vale la pena recalcar que Cibrian Campoy lee la obra. Descarta una a una las hojas leídas generando un efecto visual que rompe con el binomio iluminación-actor, aunque la decisión de no memorizarla, atenta contra su capacidad gestual y expresiva, disminuyendo las posibilidades interpretativas. Adicionalmente, el uso de micrófono, le quita visceralidad y humanidad a su voz.

Marica se presenta como una obra profundamente poética, con un mensaje claro y personal de su creador. Es una gran oportunidad para acercarse a este emblemático personaje del teatro argentino.